La più grande controversia dell'intervallo del Superbowl da quando Janet e Justin hanno denunciato le crepe nell'industria della danza

 Lo spettacolo dell'intervallo di quest'anno è oggetto di polemiche dopo che è stato lanciato un appello per 400 "cast sul campo" per partecipare allo spettacolo dell'intervallo come volontari insieme a 115 ballerini retribuiti con un lavoro sindacale. Dopo una sostanziale protesta, è stato annunciato che questi membri del cast sul campo sarebbero stati effettivamente pagati $ 15 all'ora, il salario minimo della California. Tuttavia, ci si potrebbe aspettare che siano disponibili fino a sette giorni interi senza alcuna garanzia della loro partecipazione o pagamento. 

 Non è insolito per le persone fare volontariato per le cose che amano, e il Super Bowl non fa eccezione. Tampa, ad esempio, ha chiamato 8,000 volontari nel 2021 nonostante fosse ancora all'apice del COVID, dai saluti agli ambasciatori della città. Ma in questo caso, i ballerini professionisti si sono indignati per il Super Bowl, il loro sindacato e l'agenzia di danza che promuoveva il concerto, per essersi offerti di fare volontariato invece di un contratto a tariffe sindacali.

Cosa è andato storto qui per causare tale indignazione? Ci sono tre fattori principali in gioco:

1.        Questo non è il ballo di beneficenza di tua nonna. È il Super Bowl, l'evento sportivo più redditizio del mondo. Jezebel ha eseguito i numeri: "Per fare un po' di matematica per un secondo, gli economisti affermano che il Super Bowl può portare tra i 30 ei 130 milioni di dollari per le città ospitanti. I pacchetti di biglietti per il Super Bowl 2022 elencati sul sito web della NFL partono da $ 5,950 a persona e arrivano fino a $ 21,250 a persona. Secondo quanto riferito, la CBS ha realizzato un record di $ 545 milioni di entrate pubblicitarie durante il Super Bowl del 2021, mentre altri rapporti affermano che l'evento sportivo "vale miliardi ogni anno".

2.        I sindacati e i produttori hanno la responsabilità di garantire il rispetto delle regole. I ballerini hanno espresso disappunto per il fatto che SAG-AFTRA, il "più grande sindacato mondiale che rappresenta artisti, emittenti e artisti della registrazione", non abbia gestito la cosa con maggiore attenzione, soprattutto perché preoccupazioni simili sono state sollevate proprio l'anno scorso da ballerini confusi dalla mescolanza di e partecipanti non pagati allo spettacolo dell'intervallo 2021.

Un rappresentante di SAG-AFTRA ha osservato: “SAG-AFTRA ha collaborato con i produttori del Super Bowl Halftime Show per garantire che tutti gli artisti professionisti siano coperti da un contratto collettivo. I rappresentanti di SAG-AFTRA saranno in loco durante lo spettacolo e il sindacato ha fatto ogni sforzo per garantire che tutti coloro che si esibiscono all'Halftime Show, indipendentemente dal loro status professionale, siano consapevoli dei loro diritti sul lavoro".

ROC Nation, produttore dello spettacolo dell'intervallo, ha dichiarato in una dichiarazione: "Seguiamo rigorosamente e aderiamo a tutte le linee guida SAG-AFTRA".

Nonostante la tariffa di $ 15 all'ora ora offerta, i professionisti del settore della danza come Taja Riley hanno espresso preoccupazione che questo non corrisponda ancora alle tipiche tariffe SAG-AFTRA, indipendentemente dal fatto che il cast sul campo sia classificato come ballerini o come comparse, il concetto che sembra il più vicino al ruolo di questi membri del cast sul campo progettati per sollevare l'energia nello spettacolo dell'intervallo.

3.        Richiedere che le persone siano disponibili senza compenso è una cattiva pratica lavorativa in qualsiasi settore. Al cast sul campo è stato fornito un memorandum d'accordo con le date delle prove, ma un "TBD" per le date di inizio e fine e il pagamento in base al tempo lavorato. Questo essenzialmente mantiene le vite degli artisti in attesa, senza una chiara comprensione di quanto guadagneranno.

Ciò rispecchia una tendenza più ampia e nefasta all'interno della forza lavoro americana di aspettarsi che i lavoratori siano disponibili per i turni indipendentemente dal fatto che alla fine vengano chiamati al lavoro e pagati per il loro tempo messo da parte. Soprannominata "programmazione just-in-time", i rivenditori e la ristorazione l'hanno utilizzata per ridurre i costi, a scapito della stabilità e della prevedibilità per i lavoratori. Secondo il Brookings Institute, fino al 40% della forza lavoro affronta lo stress di una programmazione imprevedibile. La CNN ha anche commentato i risultati della ricerca: "Gli orari di lavoro instabili e imprevedibili continuano a essere la norma per i lavoratori del settore dei servizi, in particolare per i lavoratori di colore e in particolare per le donne di colore".

Quest'anno, alcune aziende come Walmart stanno facendo uno sforzo maggiore per fornire orari regolari, con la speculazione che ciò è dovuto più al basso tasso di disoccupazione e alla carenza di lavoratori che a una particolare benevolenza da parte loro. Ma dato che l'offerta di aspiranti (e effettivi) ballerini professionisti per ruoli retribuiti supera di gran lunga la normale domanda, tali dinamiche non hanno colpito l'industria della danza in cui i datori di lavoro mantengono il sopravvento.

Ballerini come Atleti Professionisti

"Se puoi camminare, puoi ballare", dice il proverbio, riflettendo la gamma di modi in cui la danza è diventata una parte importante della società americana. I ballerini spaziano dai casual Tik Tokers, ai clubber più accaniti, ai professionisti esperti che costruiscono una carriera e si esibiscono in luoghi come lo spettacolo dell'intervallo del Super Bowl. 

Rispecchiando lo spettro tra i giocatori di basket guerrieri del fine settimana che cercano giochi di ritiro al parco, Steph Curry e altri professionisti della NBA, i ballerini siedono su tutti i lati dell'equazione economica. Coloro che cercano la danza come hobby sono spesso abituati a pagare le lezioni o ad acquistare i biglietti per un club o un concerto. D'altra parte, i ballerini professionisti si affidano alla danza per sopravvivere e hanno investito in se stessi e nei loro corpi per esibirsi al livello necessario, proprio come fanno tutte le categorie di atleti professionisti.

Dove si traccia il confine tra dilettanti e professionisti, e cosa significa per grandi produzioni come lo spettacolo dell'intervallo del Super Bowl? Che tipo di trattamento dovrebbero ragionevolmente aspettarsi i ballerini?

La controversia sullo spettacolo di quest'anno ha portato a domande più profonde sull'idea della danza non solo come un hobby, ma come un'industria, che ha bisogno di ballerini sani e felici se vogliamo tutti goderci a fondo la nostra domenica del Super Bowl, o i Grammy o il Coachella , o un numero qualsiasi di altri eventi in cui i ballerini non sono gli artisti principali del tendone, ma sono fondamentali per aiutare a stabilire il tono.

Dove l'industria può andare da qui

Lo spettacolo deve continuare, e lo farà, con Mary J Blige, Dr. Dre, Kendrick Lamar, Snoop Dogg ed Eminem che saranno gli headliner dello spettacolo dell'intervallo di oggi verso le 8:XNUMX EST. Quando le squadre torneranno a casa, l'industria della danza dovrà ancora affrontare cosa significa trattare i ballerini come professionisti.

Cosa può imparare dal più grande scandalo del primo tempo del Super Bowl dai tempi di Janet e JT? Proprio come la rivelazione inaspettata di Janet ha sollevato conversazioni importanti e molto più ampie sul privilegio di genere e sul body-shaming, questo caso ha richiamato l'attenzione sulle sfide che i ballerini professionisti affrontano nel rendere la loro passione una carriera sostenibile. Sono emerse due domande chiave: cosa deve cambiare nell'industria della danza affinché la danza sia un percorso di carriera più praticabile? E cosa dovrebbero fare i datori di lavoro responsabili per supportare meglio i ballerini?

Per approfondire queste domande, ho parlato con Taja Riley, un'artista di danza che ha partecipato a più spettacoli del Super Bowl insieme a Beyonce e Jennifer Lopez.

Taja ha guidato gran parte dell'organizzazione dello spettacolo dell'intervallo di quest'anno e ha condiviso le seguenti tre riflessioni sul futuro del settore: 

"Una delle chiavi principali per iniziare la conversazione è con il cambiamento del dialogo inconscio dietro il termine "ballerino".

Ha bisogno di cantare alle persone, come una professione di valore noto. In passato, quando la gente sente la parola ballerino, pensa alla frase di Tina Turner "ballerino privato, ballerino per soldi", maltrattamento attraverso la lente cinematografica del mondo della danza in film come "A Chorus Line", persino sminuendo frasi o slogan dell'industria " Ballerà per il cibo", "artista affamato", "scimmia danzante", "ballerino di supporto" o il famigerato termine per l'audizione "chiamata CATTLE". Abbiamo bisogno dell'atteggiamento dei media mainstream della cultura pop per portare più rispetto quando si tratta di professionisti della danza.

Ecco perché uso "Dance Artist" o "Dance Athlete" come etichetta/titolo professionale preferito. Tutti sanno cosa significa "vestirsi per stupire": veste la mentalità di ciò che si fa e la firma insieme a una parola di accompagnamento preconcetta di alto valore. Prendiamo ad esempio: la leva silenziosa del tailleur. Un uomo in tuta contro un uomo in giacca e cravatta va dalle élite aziendali per proporre un'idea: chi vince l'attenzione predefinita? E se l'uomo con la tuta fosse stato co-firmato dal CEO hotshot nella tuta? Forse la più bella di Park Avenue potrebbe interessarsi di più all'uomo con la tuta. 

L'aggiunta di una parola che ha già un valore o una presenza familiare nella testa di qualcuno a una che non conosce, cambia l'abito di rispetto da pantaloni della tuta di seconda mano a un abito Versace nella prospettiva pubblica dell'intrattenitore in alto in un istante (anche se In senso figurato scavo entrambe le espressioni di thread). E la verità è che i ballerini sono spesso visti come all'estremità inferiore del totem artistico, dietro "artisti" e "atleti". Ma davvero, siamo entrambi e portiamo così tanto scopo e magia alle produzioni.

I datori di lavoro responsabili dovrebbero vedersi come leader e i più grandi leader sanno come ascoltare i loro team e vederli davvero come collaboratori alla pari.

Ogni volta che ho lavorato o letto di un team che ha trattato il cast+crew come un team di collaboratori uguali, superano la soglia minima di "SUCCESSO" per il prodotto e si spostano direttamente nella creazione di "CLASSIC" o " produzioni SENZA TEMPO”. I media sono troppo saturi di contenuti, ma la cosa che spicca sempre è quando l'energia salta fuori dallo schermo. Diranno che "non possono metterci il dito sopra", ma continuano ad esserne attratti. Qualsiasi creativo esperto sa che per raggiungere questo obiettivo deve esserci una sinergia amichevole con tutti i giocatori dietro le quinte. Dovrebbe sembrare un'operazione di famiglia. Una macchina ben oliata di fiducia, passione e ispirazione. 

Penso che riduca o minacci ciò che stiamo veramente facendo come creativi di danza quando le persone con cui collaboriamo dietro le quinte inconsciamente o attivamente accendono a gas le persone, invece di riaffermare che c'è uno scopo dietro ogni lavoro, non importa quanto grande o piccolo sia. Sta tutto nell'approccio a come funziona la produzione e se è gestita con amore e professionalità, o per ansia, pressione + scadenze. L'energia la dice lunga e alla fine ha un impatto sul nostro trattamento.

Molto spesso gli artisti di danza sono quelli che devono aggiustare, deviare o schivare questi colpi dietro le quinte, come essere chiesto di firmare contratti senza previa revisione, essere pagati in ritardo, dire "sei sostituibile" o altre pratiche irrispettose.

Quando la verità è che facciamo parte del team creativo tanto quanto il regista, il direttore della fotografia, l'attore, l'artista della registrazione.

Se i nostri datori di lavoro e colleghi creativi non vedono davvero valore negli artisti della danza, allora devono davvero iniziare a chiedersi... perché siamo lì? E se la risposta è "perché gli artisti della danza fanno da sfondo", allora chiederei loro "Quale art director o scenografo sa come costruire un set che coreograferà o eseguirà movimenti freestyle, proverà o workshop idee, esprimerà emozioni, svilupperà l'artista di registrazione , apportare modifiche dell'ultimo minuto, essere pronti per la fotocamera, accentuare la musicalità o persino impostare la scena dell'atmosfera necessaria per raccontare la storia, indipendentemente dal budget elevato o basso?" La cosa divertente è che, se hai il budget per creare un set che faccia tutto questo, potresti anche pagarci qualunque cosa sia, e ti garantisco che lo eseguiremmo comunque Andre 3000% meglio del set prodotto da loro. 

Immagina il video musicale “Thriller” di Michael Jackson senza gli artisti della danza, “Single Ladies” di Beyoncé, “Rhythm Nation” di Janet Jackson, “Run it” di Chris Brown, “Gossip Folks” di Missy Elliot, Britney Spears “I'm a Slave 4 You ,” o N'Sync senza la coreografia “Bye Bye Bye”. Gli eventi, le tendenze, la musica, i contenuti video e le persone più iconici delle culture pop non sarebbero così ICONICI senza DANCE, e più specificamente DANCE ARTISTS. Quindi, quando non ci viene mostrato il dovuto rispetto, a questo punto è doloroso e semplicemente strano. Siamo in ritardo per un posto inciso al tavolo con i nostri nomi sopra. 

Allora come ci arriviamo? Scott e Brian Nicholson, artisti di danza gemelli identici, direttori creativi e coreografi noti per il loro lavoro con Ariana Grande, hanno condiviso che potrebbero immaginare un mondo in cui "Un ambiente di lavoro sano e rispettoso porterà tutti gli aspetti dell'equazione a brillare, prosperare, essere sostenibile e redditizio.

Strangolare un aspetto ne ucciderà un altro. I responsabili e nei posti di potere detengono una grande chiave per il pezzo del puzzle. [Quelli con più] voce in capitolo e potere possono agire, sebbene alcuni con chiavi più piccole collettivamente possano aprire più porte. È dall'alto verso il basso e dal basso verso l'alto, allo stesso tempo".

Taja ha inoltre spiegato: "Penso che almeno i datori di lavoro che contraggono artisti di danza per promuovere o elevare i loro prodotti/talenti dovrebbero considerare questo concetto: le persone che lavorano per te e insieme a te sono i tuoi clienti più importanti e preziosi. Aggiungeremo più valore, se ci tratti come se avessimo valore”.

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